Lauren Ambrose i My Fair Lady. Joan Marcus
Jeg går ud fra, at der ikke er en levende sjæl over 20 år, der ikke har set mindst én produktion af My Fair Lady. Det er godt, for til den kontroversielle nye Tony-nominerede genoplivning af denne historiske musical, som i øjeblikket kan ses i New Yorks Lincoln Center, skal du huske de andre. Det betyder ikke, at det ikke er så fortryllende som nogensinde. Men den vidunderlige instruktør Bartlett Sher, som aldrig gør noget forkert, har gjort noget, der, selvom det ikke ligefrem er katastrofalt, efter min tankegang er decideret skuffende.
Som det er almindeligt anerkendt i nyhedshistorier og endda anmeldelser, har Sher sagt, at #MeToobevægelse var til dels det, der fik ham til at omskrive og omforme slutningen. Ingen spoilere, tak, men efter næsten tre timers glæde, vil du ikke længere gå glad væk. For første gang i mit liv rejste jeg My Fair Lady trist som en pallebærer. Jeg ønsker ikke at videregive det falske indtryk af, at jeg har noget imod #MeToo-bevægelsen generelt, men jeg afviser bestemt ikke at ændre slutningen på en etableret amerikansk musikalsk klassiker for den eller enhver anden politisk bevægelse—eller af en eller anden grund overhovedet.
Ikke at bekymre dig. Der er stadig mange grunde til at glæde sig. For det første er der et karriereforvandlende midtpunkt af den spektakulære Lauren Ambrose som Eliza Doolittle. Hun er en beskidt pindsvin i klude, der sælger violer på en kantsten uden for Covent Garden, og som bliver fokus for et væddemål af professor Henry Higgins, en arrogant London-snob og sprogekspert, der satser på, at han kan forvandle den laveste rendesten til en dame, der passer til at bære en kongelig krone til et ambassadebal.
30 januar astrologi
Professor Higgins køber Eliza for kun fem pund af sin far, en god-for-noget støvmand (spillet, ikke alt for subtilt, af en ramponeret Norbert Leo Butz), og flytter hende ind i sit elegante hus på Wimpole Street og begynder den grusomme, didaktiske ritual med fodring, påklædning og forvandling af en ragamuffin til en kongelig dame af udmærkelse og misundelse fra det britiske samfund på seks måneder. Først helliger han sig opgaven med at lære hende at erobre det engelske sprog, derefter klæde sig som en hertuginde og gå som en dronning. Klassekrigens humor og visdom er genialt fremkaldt, illustreret og forstærket af et af de største partiturer nogensinde skrevet af Alan Jay Lerner og Frederick Loewe.
Tingene begynder dårligt, for Ambrose kaster sig ind i rollen som en Cockney-waif med en accent tyk som beton. Resultatet er, at jeg ikke kunne forstå et ord, der kom ud af hendes mund i næsten hele den første time, hvilket gjorde den første akt enormt umulig. Denne irritation varer ikke så længe, som den ser ud til.
Vendepunktet er selvfølgelig The Rain i Spanien. Når hun først lærer hemmeligheden ved at fjerne proppen på sin tunge og rulle sine vokaler, mens hun genopretter sine H'er og udjævner sine A'er, er Ambrose ren magi, og når hun først får fart, er der ingen stopper for hende. På det tidspunkt, hvor hun gør sin første offentlige optræden i Ascot-scenen, er hun allerede ved at polere den udstråling og pragt, hun har arbejdet så slavisk for at opnå. Når hendes stemme svæver på I Could Have Dance All Night, er jubelen velfortjent. Jeg har været fan lige siden hun eksploderede på skærmen i den medrivende HBO tv-serie Seks fod under, men hvem vidste, at hun kunne synge med så megen kraft, skønhed og klarhed? Som en Cockney-paddehat, der vokser til en velsmagende trøffel, er hun årets opdagelse.
Som professor Higgins, Harry Haddon-Paton (du kender ham fra Downton Abbey) er ingen Rex Harrison, men hans voldsomme egoisme vokser på dig, som en lav. Diana Rigg, der engang spillede Eliza i en meget rost britisk genoplivning, er ordentligt raffineret og menneskeligt vindende som professor Higgins' mor, der bliver Elizas uventede allierede. Norbert Leo Butz boltrer sig gennem Get Me to the Church on Time med energi, men jeg forstår ikke, hvorfor han bliver akkompagneret af et kor af overskægsbesatte mænd i drag. Michael Yeargans sceneri og Catherine Zubers kostumer fanger fuldt ud pompen og den milde ynde i en patricier-edvardiansk tidsalder.
Så alt blænder indtil den endelige beslutning. I Eliza skaber professor Higgins sit mesterværk, men hvad skal der blive af hende? Alt har ændret sig, inklusive hans dedikerede status som konfirmeret bachelor. Men den eneste ting, som hans skabelse ikke opnår, er den følelse af kærlighed og anerkendelse, hun har brug for fra den mand, hun har lært at elske. Hans taktik kan have været ufølsom og sårende, men han elsker hende også. Det er derfor, han synger I've Grown Accustomed to Her Face. I alle andre versioner tror hun på ham, og de lever lykkeligt til deres dages ende. Ikke i denne produktion. At forvrænge følelser fra 1913 med 2018-værdier, bare så Eliza kan stå op for sin integritet, bringer det hele ud af balance.
Den kedelige begrundelse bag dette unødvendige fidus, bortset fra et behov for at ære den nuværende udsving for at styrke kvinder gennem seksuel politisk korrekthed, er rygtet om, at George Bernard Shaw undgik lykkelige slutninger i enhver form og nægtede Eliza og prof. Higgins chancen for en rosenrød. fremtid i sit originale skuespil Pygmalion, som havde premiere i Wien i 1913, efterfulgt af produktioner i London og New York det næste år. Instrueret af forfatteren, Pygmalion ignorerede alle bønner om at slutte sig til den forvandlede Eliza og hendes mentor, Prof. Higgins, i ægteskab.
Men i London, til Shaws forbitrelse, blev stykkets beslutning ændret uden hans godkendelse eller tilladelse, for at give det populære publikum den rosenrøde slutning, de længtes efter. Shaw kæmpede mod denne idé indtil filmversionen fra 1938 med Leslie Howard og Wendy Hiller i hovedrollerne, der gav offentligheden, hvad den ønskede.
Den triumferende finale, der etablerede Pygmalion da Shaws mest populære skuespil er blevet bibeholdt i alle versioner siden, inklusive den historiske Broadway-produktion fra 1956 af Min Fair Lady, instrueret af Moss Hart, der kørte i seks et halvt år med Rex Harrison og Julie Andrews, og George Cukors kolossale, Oscar-vindende filmversion på 17 millioner dollars i 1964, der vandt otte Oscar-priser, inklusive en til Rex Harrison for at gentage hans oprindelige rolle over for den udsøgte Audrey Hepburn. De endte alle med at smile. Nu, når denne produktion slutter, på trods af de vidunderlige sange og den overdådige fremvisning af talent, er lyden, du tror, du hører, ikke bifald; det er smerten for nogle af de mest berømte navne i teatrets historie, der vender om i deres grave.